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L’impact de l’évolution de la chronologie des médias sur le cinéma français pendant la crise sanitaire

La crise à laquelle fait face le cinéma liée au Covid est évidemment internationale. En France, plus particulièrement, un bouleversement de la chronologie des médias a créé des impacts majeurs sur les exploitants de salles de cinéma et sur la production de films français. Mais tout d’abord, quelle est cette chronologie des médias et à quoi sert-elle ? Puis, quels en sont les impacts ? 

La chronologie des médias  

La chronologie des médias est un dispositif réglementaire français datant de 1983 qui visait, à l’origine, à protéger les salles de cinéma de la concurrence des chaînes de télévision, impliquant une baisse importante de leur fréquentation. Au début, cette règle imposait un délai de trois ans entre la première exploitation d’un film en salles et sa diffusion éventuelle à la télévision. 

Par la suite, la multiplication et diversification des chaînes de télévision et des supports de diffusion ont entraîné un raccourcissement de ces délais. Dans son organisation actuelle datant de 2018, la chronologie des médias montre l’importance respective des financeurs du cinéma français. Pourquoi ? Les exploitants de salles et les ventes en DVD sont les supports dont la Taxe Spéciale Additionnelle est la plus élevée. Il s’agit d’une taxe prélevée par le Centre National du Cinéma et constitue 40% de son budget. Le CNC contribue à aider financièrement les exploitants de cinémas et la production de cinéma français.  

C’est un véritable «cercle vertueux» qui permet au cinéma français de produire des centaines de réalisations par an tout en participant à la coproduction de nombreux films dans d’autres pays. Et c’est ce système qui a permis au cinéma français de ne pas disparaître face à la puissance du cinéma américain.

Vers un marché à deux vitesses ?

Dans cette configuration, il existe déjà un équilibre précaire car les principales sources de financement du cinéma français changent peu à peu. Les ventes de billets, les ventes de DVD, ont constitué jusqu’à récemment les principales sources de financement du cinéma français, maintenant, les fenêtres tardives dans la chronologie des médias (la Submission Video on Demand principalement) sont aujourd’hui des supports non négligeables dans l’exploitation du cinéma, impliquant une diminution de revenus pour le CNC via la TSA, et ne contribuent donc pas à financer la production de cinéma français.

Le risque, quel est-il ? Le risque est de voir émerger un marché à deux vitesses, celui du film de cinéma, avec son circuit de financement historique, et celui de la SVoD, finançant son propre contenu et entraînant une baisse de la fréquentation des cinémas. 

Une nouvelle chronologie des médias bouleversante 

Les bouleversements de la chronologie interviennent dans ce contexte, déjà fragilisé par la crise sanitaire. 

L’article 17 de la loi d’urgence Covid-19 du 23 mars 2020 a permis un aménagement inédit de cette réglementation : le CNC a délivré une dérogation exceptionnelle pour 52 films sortis à cette date, afin de les rendre disponibles sur support physique et en VoD à l’acte, sans attendre les quatre mois d’ordinaire requis (trois pour les films à moins de cent mille entrées). 

Les conséquences 

Ce choix, accompagné de la crise sanitaire, a irrémédiablement participé à l’évolution des pratiques cinématographiques des français, s’habituant peu à peu à consommer sur petit écran. 

Ceci entraîne une mise en difficulté de la production française, qui observe une diminution des prélèvements de la TSA, les supports, finançant cette taxe, étant progressivement délaissés par les français. Afin de palier à cette première conséquence, une concertation avec les principaux acteurs a débuté, visant à instaurer une obligation pour les plateformes de vidéo à la demande un investissement de 20% minimum de leur chiffre d’affaires réalisé sur le territoire français dans la production d’œuvres françaises ou européennes. 

Ainsi, l’impact majeur du bouleversement de la chronologie des médias se situe au niveau des exploitants de cinéma, et ce, à cinq niveaux :   

Sociétal 

Une modification progressive des pratiques cinématographiques des français qui peuvent délaisser les salles de cinéma. 

Économique 

Les exploitants n’ayant pas pu bénéficier de l’exploitation de ces nombreux films, une perte économique importante s’est fait sentir, en partie compenser par des aides d’urgence du gouvernement. 

Médiatiques 

Le premier rôle des salles est d’exposer les films, accompagnés de nombreux éléments marketing. Les festivals, moments clé pour la promotion de film, tendent à flexibiliser leur règlement. En effet, une exploitation de sept jours minimum en salle était obligatoire pour être sélectionné, limitant l’accès aux plateformes qui refusent l’exploitation de leurs films en salle. Les Oscars ont ainsi suspendu cette règle pour leur 93ème édition. Cependant, on peut se demander si, avec la montée en puissance des films produits par les SVOD, cette règle ne va pas être abandonnée à long terme et donc offrir une promotion importante aux plateformes, ce qui contribuera au déclin des salles de cinéma.  

Juridique 

De façon indirecte, les modifications de la chronologie des médias a induit des remise en question de deux lois françaises : celle dite « des jours interdits », qui consiste à interdire, aux chaîne de télévision gratuite, de diffuser des films les mercredis et vendredi soirs, samedis toute la journée et dimanche après-midis, afin de ne pas concurrencer les salles de cinémas. Aujourd’hui, cette loi est largement décriée par la télévision qui estime être désavantagée par rapport aux services de VOD à l’acte et de SVOD. En perspective d’un projet de loi sur l’audiovisuel, le ministère de la Culture, via la Direction générale des médias et des industries culturelles, lance une consultation pour flexibiliser ou supprimer cette loi. La seconde est une dérogation d’une durée de 18 mois concernant la promotion des films en salle à la télévision. En effet, depuis 1992, seules les bandes annonces des films qui sortaient en DVD étaient en effet autorisées à la télévision. L’idée ? Protéger les films français des assauts publicitaires orchestrés par les grands groupes, notamment les producteurs de blockbusters américains, qui bénéficient de plus de moyens pour faire de la promotion. Même si cette dérogation n’aide pas la production française, elle soutient au moins les salles de cinéma. 

Artistique 

Finalement, toutes ces évolutions, à la fois dans les manières de produire et de consommer, questionnent si réaliser un film pour petit écran est la même chose que pour grand écran. La SVoD gère par les algorithmes une demande alors que le cinéma créé une offre. Ceci entraîne ainsi progressivement une évolution de la démarche, qui impact irrémédiablement la création. On peut donc s’interroger sur l’avenir du cinéma indépendant notamment.

Marion Renard

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Projets de la promo 2019/2020

Voici le fruit du travail de nos étudiant.es du Master 2 DPACI Développement de projets artistiques et culturels internationaux cette année, l'aboutissement du travail mené dans le cadre de l'enseignement de méthodologie de projet..

 

Ayez du nez ! est un projet alliant art, odorat et territoire industriel dans la Vallée de la Chimie. Il vise à approcher le territoire de la Vallée de la Chimie par la question de l’odorat et plus spécifiquement la mémoire olfactive. VeNEZ nous rejoindre le mardi 10 mars de 16h à 19h30 au coeur de Saint-Fons, chez Interfora pour découvrir une exposition et une conférence autour des odeurs et leur pouvoir d'évoquer des souvenirs.

nullL'exposition "Mémoire olfactive et la Vallée de la Chimie” montrera le travail de quatre étudiants.es de l’École Nationale des Beaux-Arts de Lyon et un travail de terrain réalisé par les trois porteuses du projet, mettant en valeur des photographies et des témoignages audio sur les odeurs repérées par les habitant.es de la Vallée.
Pour la conférence intitulée “Odeurs présentes, instants passés : nostalgie et mémoire olfactive” nous invitons trois intervenantes expertes dans leur domaine (science, art et parfumerie) pour nous éclairer sur la capacité qu’ont les odeurs de toujours nous ramener à un événement de vie ou nous rappeler des souvenirs passés.
L'entrée est gratuite et uniquement sur réservation !

Mardi 10 mars 2020 – 16h à 19h30 – Interfora IFAIPAvenue Diderot, Saint Fons – en face de la gare SNCF
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Les arbres occupent une place essentielle dans notre écosystème, dans notre monde commun, mais ils sont attaqués (déforestation en Amazonie, disparition de la dernière forêt primaire d’Europe en Pologne etc.) et que très peu considérés. Ce sont pourtant des êtres sensibles, sociaux et intelligents pour lesquels se pose aujourd’hui la question de leur protection juridique. L’émergence d’un “droit des arbres” s’insère dans la critique d’un modèle de privatisation généralisé des biens communs (l’eau, le logement, la nature etc).
L’objectif de cet événement est d’appréhender ce problème par le sensible, afin de sortir d’un discours parfois binaire et moralisateur sur l’écologie. Plutôt qu’une injonction directe à la protection de la nature, nous souhaitons que chacun.e éprouve au plus profond de lui/elle même la connexion et l’interdépendance qui nous lie à ces êtres, sans qui notre survie serait compromise.

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Par “sensible”, nous entendons le recours à l’art et à la culture. L’idée est que les participant.es se questionnent sur leur relation avec leur environnement, en se focalisant sur le lien intime qu’ils/elles peuvent nouer avec les arbres.

Plusieurs activités vous seront proposées : interventions de spécialistes, méditation dans un filet installé dans les arbres, temps d’échanges sur nos liens personnels avec les arbres. 
Alors enfile une petite laine et VENEZ (RE)SSENTIR les arbres !

Mardi 10 mars 2020 – 17h à 20h – CCO La Rayonne
24 Rue Alfred de Musset, 69100 Villeurbanne
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Événement proposé par Violette Elmassian, Samy Berard, Coline Garbage et Violette Ravon, quatre étudiant.es en Master Développement de Projets Culturels Internationaux (DPACI) de l’Université Lumière Lyon 2.

 

Mais qu'est-ce qu'une bibliothèque vivante ? Vous êtes invité.es à consulter un livre vivant pour un temps donné. Ici, les "livres" sont des personnes et leurs pages seront parcourues au gré d'une conversation en tête à tête.
La Bibliothèque vivante est un concept qui s'est développé dans les pays scandinaves pour permettre à des personnes de discuter calmement avec d'autres sur des sujets qu'elles n'aborderaient pas forcément dans la vie de tous les jours, avec pour mot d'ordre ouverture d'esprit et bienveillance. Découvrir le concept

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Le thème - Quel temps pour les pères aujourd'hui ?
Les papas présents vous donneront différentes approches sur leur place au sein de leurs familles et dans la société, faisant ressortir les enjeux de la paternité d'aujourd'hui.
Ici le récit de vie des papas sera valorisé mais il s'agit davantage de prendre de "la hauteur" et de réfléchir ensemble, à que c'est d'être papa dans notre société actuelle.

Mercredi 11 mars 2020 de 15h à 18h
Médiathèque du Bachut - 2 Place du 11 Novembre 1918 - Lyon 8e
Gratuit et ouvert à tou.tes
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Une invitation à apprendre les recettes de 5 femmes immigrantes venues partager leurs savoir faire et un bon moment ! Autour d'une exposition et de la lecture de poèmes, venez échanger sur les sujets de l'identité culturelle, la transmission, l'intégration...

Programme de la soirée :

  • à partir de 17h30, rendez vous pour préparer le repas ;
  • à 19h repas collectif.

L'occasion de se rencontrer, de discuter et de déguster nouvelles saveurs.
Le repas est à contribution libre. / Pour réserver c'est par ici. Pour organiser cette soirée, les étudiant.es de ce groupe ont lancé un appel à participation et ont travaillé, en partenariat avec :

  • l'association Singa, mouvement citoyen international qui favorise la création de liens entre personnes réfugiées et citoyens de la société d’accueil ;
  • et Les Petites Cantines Vaise, réseau de cantines de quartier, ouvertes à tou.tes, dont l’objectif est de développer les liens de proximité et de promouvoir l’alimentation durable.

Vendredi 13 mars 2020 dès 17h30 - Les Petites Cantines de Vaise
37 Rue Saint-Pierre de Vaise, 69009 Lyon

 

Prêt à partager un temps de jeu, vos souvenirs d’enfance de gamer et votre vision sur les jeux vidéos ? Gamer/euse ou pas, enfants et parents, vous êtes les bienvenu.es à Gaming Connection : l’aventure en famille, le 14 mars 2020 à la Médiathèque Jean Prévost ! #jeuxvideo #numérique #famille

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C’est quoi Gaming Connection ?
Gaming Connection c’est un événement gratuit sur le partage et l’échange autour des jeux vidéo. Venez jouer à des jeux rétros, des jeux modernes, connus et moins connus, pour vivre une expérience fun et familiale !

Au programme :

  • une sélection des jeux aux petits oignons pour jouer en famille ou entre ami.es ;
  • une équipe de médiation au top pour échanger sur les pratiques de chacuns.e et répondre aux questions de tou.tes ;
  • un coin documentation, où vous trouverez des ouvrages de référence sur les questions des pratiques vidéoludiques ;
  • un tournoi de Mario Kart sur grand écran, à gagner un abonnement d’1 an à la médiathèque Jean Prévost !

Samedi 14 mars 2020 de 14h30 à 17h30
Médiathèque Jean Prévost - 2 Place Cumbernauld - Bron
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Événement organisé par un groupe d'étudiant.es du master DPACI de l'Université Lyon Lumière 2, en partenariat avec la Médiathèque Jean Prévost et la ville de Bron.

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Guide de l’échec heureux

INTER-MÉTÉORES - LE PROJET


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« Inter-météores »... Qu’est-ce que c’est que cette histoire encore ? Un nouveau supermarché ? Une rencontre autour de la bière alsacienne ? Un club échangiste pour les fétichistes de l’astronomie ? Le nom farfelu d’une oeuvre contemporaine ?... Que nenni ! Inter-météores est un projet créatif de coopération internationale entre le festival Meteor en Norvège, et les étudiant.es du Master Développement de Projets Artistiques et Culturels Internationaux de l’Université Lumière Lyon 2.

L’idée est née d’une envie collective de se frotter à la réalité. D’interagir avec des acteurs européens et de découvrir leurs cultures par un autre biais qu’internet. De sortir de ce cocon théorique franco-français pour aller voir de nos propres yeux - ou mieux encore, toucher de nos propres mains - ce qui se fait en dehors de nos universités, et en dehors de notre pays. D’intervertir les rôles, et plutôt que d’être public d’un événement, devenir co-organisateurs.trices le temps d’un court intervalle.

À sept, nous nous sommes rassemblé.es autour de notre intérêt commun pour l’art, la culture, et le voyage. Prêts à braver les interdits, et déterminé.es à s’intercaler dans les interstices des milieux culturels étrangers, nous avons oeuvré à la création d’un partenariat et la réalisation d’un projet concret... et disons-le... intersidéral !

C’est grâce aux responsables du festival Meteor, à Bergen et tout particulièrement nos ‘interfaces’ Sven Birkeland, Karoline Skuseth, Ingrid Ellestad et Maja Bergebakken Sundt, que nous avons eu la chance d’intervenir en Norvège, au sein même de la programmation de ce festival - organisé par le BIT Teatergarasjen sous la forme d’une biennale.

Pourquoi le festival Meteor ? International et interdisciplinaire, il propose un programme éclectique tant du point de vue des formes artistiques représentées que de la diversité des pays participants. En plus des performances live et des spectacles, le festival offre un temps discursif dédié aux workshops, séminaires, tables rondes, conférences, ou débats, auquel nous avons pu nous greffer, de façon radicale ! ...et c’est peu dire, puisque le thème du festival Meteor 2019 était « Radical Failure ».

Faisant partie du panel « Radical Future Groups » qui regroupait également les étudiant.es de l’Université de Bergen, nous avions désormais un thème, un lieu, ainsi qu’un temps donné pour laisser libre cours à notre imagination et, créer un événement de toute pièce, à notre guise ! Après d’interminables recherches autour de l’échec, à le décortiquer, l’éplucher et l’interroger, nous en sommes arrivé.es à un point d’intersection où convergeaient tous nos désirs : travailler sur le concept d’échec heureux.

Tout compte fait, l’échec n’a-t-il pas des vertus ? N’est-il pas une nécessité ?... L’erreur porte en elle le potentiel d’un changement, d’un renouveau, d’une autre opportunité. Échouer, c’est risquer, s’aventurer, oser, défier, interférer. L’échec est une chance de se réinventer, innover, évoluer, s’améliorer, se perfectionner, transformer son approche, entreprendre encore et toujours ! L’échec ne serait-il pas finalement qu’une construction sociale ?... Intéressant, mais interstellaire ! C’est autour de cette notion floue et cosmique que s’est conçu notre projet.

La tâche fut rude. En plus de mettre en place une exposition interactive, un workshop intergénérationnel et une battle de DJ intergalactique, il a fallu penser à l’édition d’un guide, prévoir une restitution en France, établir un budget, se confronter à cinq demandes de subventions, défendre le projet devant des commissions, se lancer dans une campagne de crowdfunding, suivre un calendrier prévisionnel, créer des supports de communication et des visuels, intercepter des témoignages, préparer des activités, s’en sortir avec l’administration, la logistique (transports, logements), les problèmes techniques et collaborer avec l’équipe du Meteor, le tout en grande partie à distance, en anglais, en plus de nos vies respectives...

Inter-météores... Une expérience aussi brève qu’un interlude mais qui résonne toujours aussi fort à l’intérieur de nous ! Grâce à ce projet nous avons pu interpeller les plus curieux, les interloquer, les interrompre dans leur marche vers le succès et leur proposer un intermède inter-culturel.

Violette, Maëlle, Virginie, Ludan, Anaëlle, Théo et Lucie - une bande de fous à interner

Les témoignages

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La place des femmes artistes dans les musées d’art moderne et contemporain

Amélie Beaury-Saurel, Nos éclaireuses (1914)

Force est de constater qu’aujourd’hui encore la parité est loin d’être présente dans les salles de musée. Comment expliquer cela? Est-ce parce que les femmes n’ont pas été créatrices ou novatrices dans le domaine de l’art? Ou plutot parce que celles-ci ont été écartée de l’Histoire de l’art, la lumière étant toujours plutôt mise sur les hommes?

Actuellement, les femmes sont largement majoritaires dans les écoles d’art, pourtant seuls 20% des artistes qui vivent de leur production sont des femmes et 19 femmes comptent parmi les 500 artistes les mieux côtés de la planète.

En terme de musées:

  • 27 femmes artistes sont exposées au Louvre.
  • 7 % de femmes artistes au Musée d’Orsay
  • 18 % de femmes artistes en 2009 au Centre Pompidou
  • 5% de femmes artistes dans la section “Modern Art” au Met Museum
  • 7% d’œuvres faites par des femmes au MoMa

Comment palier à cela? Comment leur redonner une reconnaissance et réécrire l’Histoire de l’art en les y intégrant?

Originellement, le musée désignait "une petite colline d'Athènes consacrée aux Muses". Actuellement, le musée est un "Établissement ouvert au public où sont conservés, répertoriés, classés des objets, des documents, des collections d'intérêt artistique, scientifique ou technique, dans un but socioculturel, scientifique et pédagogique".

 

COURTE CHRONOLOGIE

Irène, fille de Cratinus / Sofonisba Anguissola, Autoportrait (1656) / Rosa Bonheur par E. Disdérien (1865)

 

Durant l'Antiquité, les femmes artistes sont le plus souvent formées par leurs pères, eux-mêmes artistes. Au Moyen Âge, il est plutôt question d'artisanes, telles que des fileuses de soie, brodeuses et tapissières. Puis la  Renaissance marque un tournant en Europe et des figures italiennes comme Sofonisba Anguissola et Artemisia Gentileschi se démarquent.

Côté français, la période des Lumières voit naître de nouveaux salons, lieux d'émancipation pour les femmes artistes, les femmes commencent enfin à pouvoir exercer leur art. Arrive ensuite la Révolution Française, prônant l'égalité entre les Hommes mais refusant la citoyenneté aux femmes, celle-ci opère une régression dans la quête vers l’égalité hommes-femme.

Le XIXe ne sera pas plus favorable aux femmes artistes, les réduisant la procréation plutôt qu'à la création. Rosa Bonheur se démarque et devient la 1ère femme à recevoir la Légion d'Honneur pour fait artistique. Au début du XXe, les femmes sont enfin acceptées aux Beaux-Arts et au Prix de Rome, tandis que beaucoup de femmes artistes européennes voguent vers les Etats Unis.

L'absence des femmes dans l'Histoire de l'Art résulte ainsi d'un manque d'accès à l'apprentissage et d'une Histoire écrite par les hommes.

ART FEMINISTE ACTIVISTE

Guerrrila Girls, Do we have to be naked To cet into the Met. Museum ? (1985)

L’art féministe apparaît dans les années 60-70, c’est un mouvement qui a pour but de produire un art qui reflète les vies et les ressentis des femmes, il remet en cause le modèle patriarcal et la domination masculine au sein de la production artistique et de l’histoire de l’art. Judy Chicago sera pionnière au sein de ce mouvement.

En 1971, Linda Nochlin, autre figure féministe importante, publie un article qu’elle appelle “Why Have There Been No Great Women Artists?”. Cet écrit va boulverser le monde artistique de l’époque, car il met réellement en évidence que les femmes ont été oubliée de l’histoire de l’art car celle-ci a été écrite par des hommes.

En 1985, à New York, un groupe d’artistes féministes activistes appelées les Guerrilla Girls font leur apparition.  Elles mènent des actions afin de promouvoir la place des femmes et des personnes racisées dans les arts, leurs actions principales sont celles de créer des affiches afin de dénoncer les inégalités dans le monde de l’art.

Depuis, d’autres associations, collectifs et unions de femmes artistes se sont formés comme par exemple le groupe “La Barbe” mais également des initiatives plus locales comme le club des Cyber Sistas, pour n’en citer que 2.

Certains historiens de l’art et chercheurs sont de l’avis que les regroupements de femmes vont permettre d’affirmer que le talent artistique et le professionnalisme ne sont pas des valeurs masculines. Ces associations de femmes permettent la reconnaissance de leur talent artistique, la mise en lumière et la revendication de leur art. Ce propos est nuancé par d’autres chercheurs et historiens de l’art, parlant plutôt d’essentialisation et de généralisation des femmes artistes.

SOLUTIONS À LA SOUS-REPRÉSENTATION DES FEMMES DANS LES MUSÉES INSTITUTIONNELS

MUSÉES DE FEMME

Les musées de femmes apparaissent après la Seconde Guerre mondiale, en Occident notamment. Selon, l'international Association of Women's Museum, ils "préservent et encouragent les pratiques culturelles des femmes, dissipent les préjugés et contribuent au respect des femmes et des droits humains. Ils sont le miroir de la société et aussi du changement du monde."

La chercheuse Julie Botte distingue plusieurs objectifs de la part de ces musées. Certains gardent les codes des musées traditionnels et cherchent à préserver et reconnaître le patrimoine. D'autres, sont d'avantages dans l'échange avec les publics et souhaitent donner la parole aux femmes, artistes comme spectatrices. D'autres encore valorisent les minorités (sexuelles, ethniques et culturelles) tandis que certains sont très activistes politiquement. Julie Botte questionne aussi l'idée supposant que ces musées pourraient poursuivre l'exclusion des femmes dans l'art, les cantonnant dans des espaces pour elles uniquement.

EXPOSITIONS DANS LES INSTITUTIONS MUSÉALES

Camille Morineau, comissaire d’expositions au Centre Pompidou en 2009, organise une exposition-collection appelée elles@centrepompidou, qui n’expose que des artistes femmes, avec plus de 500 œuvres réparties sur 2 étages du Centre Pompidou. Elle reste aujourd’hui une référence.

Cette exposition a été une occasion pour le musée de compléter sa collection par de nouvelles acquisitions et d’y introduire de nouvelles artistes.

Cette exposition ne se présentant pas comme une exposition féministe, il lui a été reproché de ne pas vouloir s’affirmer dans le combat féministe.

Il a également été reproché à cette exposition de mettre les femmes dans un ghetto, ce qui ne dessert pas leur cause, au contraire, l’exposition les mettrait dans une bulle à part entière qui essentialiserait leur art en tant qu’art féminin.

Plus tard, Camille Morineau devient commissaire d’exposition à la monnaie de Paris, La Monnaie de Paris ambitionne alors de monter une exposition 100% féminine tous les deux à trois ans. La première est “Women House” en 2017-2018. Il s’agit d’une exposition organisée en partenariat avec le National Museum of Women in the Arts (NMWA) et la Monnaie de Paris.

En ce moment, une seconde exposition “féminine” à lieu la Monnaie de Paris, dédiée à Kiki Smith.

De plus en plus d’expositions dédiées aux femmes artistes sont aujourd’hui organisées, par exemple sur Sheila Heiks en 2018 au Centre Pompidou, Berthe Morisot au Musée d’Orsay, Computer Grrrls à la Gaîté Lyrique etc.

On constate que les femmes sont de plus en plus nombreuses dans des expositions monographiques mais elles ne le sont pas encore dans les collections permanentes des musées, ni dans les expositions thématiques. Souvent les artistes femmes ont été beaucoup moins achetées que les hommes artistes, parce qu’elles n’étaient pas ou moins connues, beaucoup moins visibles de leur temps.

C’est en partie pourquoi Camille Morineau a co-fondé l’association AWARE en 2014 (Archives of Women Artists, Research and Exhibitions). Le but de cette association est de créer une base de données avec toutes les artistes femmes qui ont marqué le 20e siècle, et ainsi replacer les femmes au sein de l’Histoire de l’art en leur donnant ou leur redonnant une visibilité.

La place des femmes artistes à donc beaucoup évolué depuis les siècles passés, avec désormais un accès aux même formations que les hommes et d'avantage de reconnaissance. Pourtant, elles demeurent moins exposées et vendent leurs oeuvres moins cheres que les hommes. Et s'il est impossible de parler d'art contemporain sans évoquer les femmes artistes, il est fréquent de retracer l'histoire de l'art sans les mentionner. Il est ainsi nécessaire de repenser cette histoire le plus souvent écrite par des hommes. Les initiatives de revalorisation des femmes artistes nous amènent cependant à questionner la pertinence de certaines solutions mise en place. Ne confinent-elles pas les femmes artistes entre elles? Ou au contraire ne sont-elles pas un premier pas vers leur mise en lumière et vers une parité dans les salles de musées?

Ana Stervinou et Tania Guerrero Alburquenque

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En quoi, dans le questionnement de ce qui fait cinéma, Joker est opportun ?

Nous avons choisi de vous parler du film Joker, sorti le 9 octobre 2019 en France et réalisé par Todd Phillips, parce qu'il a suscité de nombreuses polémiques et engendré de nombreux débats dans la sphère médiatique. Ce qui nous a aussi marqué, c’est le mélange de genres que présente l’objet culturel. Le film appartient à l’univers des super-héros de Comics, ce qui en fait un blockbuster américain, un genre cinématographique qui n’est pas forcément considéré comme du vrai cinéma, mais comme du divertissement. Cette hybridation de genre liée aux discours qui hissent le film au rang de phénomène social international nous a conduit à nous poser la question de ce qui fait cinéma aujourd’hui.

Méthodologie

Nous sommes parties de l’exemple du film Joker pour analyser la réception de cet objet culturel nous permettant de voir l’impact qu’il provoque au sein même du secteur du cinéma.

Pour effectuer ce travail de recherche et d’analyse, nous avons donc lu, regardé et écouté différents médias : articles de presse spécialisée, nationale et internationale, magazines et émissions spécialisés, interview, réactions twitter et facebook pour recueillir un ensemble de discours autour de cet objet artistique et définir ce qui en ressortait.

Présentation du film

Réalisateur : Todd Phillips

Acteurs :Joaquin Phoenix, Robert de Niro, Zazie Beetz, etc

Date de sortie : 4 octobre (USA) ; 9 octobre 2019 (FR)

Durée : 122 minutes

Distributeur : Warner Bros

Musique : Hildur Guðnadóttir

Références : Interdit aux moins de 12 ans et classé R au USA (interdit au moins de 17 ans)

Budget : $55,000,000

Résumé

Le film relate l’histoire originale de l’ennemi juré de Batman. Il brosse le portrait d’Arthur Fleck, un homme sans concession méprisé par la société qui sera emmené, par sa folie, dans le costume du Joker.

Teaser http://www.jokermovie.net/

Joker : une hybridation des genres 

Dès l’annonce du film, il est présupposé que le film Joker sera un blockbuster étant donné qu’il s’inscrit dans la continuité des films de super-héros tirés de l’Univers DC Comics et produit par le studio de production Warner Bros. Ce statut lui permet de capter l’attention du grand public, consommateur des films spectaculaires proposés par ce genre cinématographique.

Le film dépasse les attentes, les recettes du film s’élèvent à près de 950 millions de dollars actuellement, sachant qu’il est encore diffusé. Il avait compensé son budget de production dès le premier week-end, il bat le record du box office dans la catégorie des films interdits aux moins de 17 ans aux États-Unis et il est l’un des films les plus rentable en proportion du budget investi. En France il comptait plus de 4,5 millions d’entrées au 30 octobre et est resté premier au box office pendant 4 semaines. (Résultats qui s’apparentent à ceux d’un blockbuster).

Pourtant, le film montre de nombreux éléments qui ne permettent pas de l’associer réellement au cinéma de super-héros habituel. Sa dimension de blockbuster est modérée par les techniques de production qui le différencie de ces films à gros budget. En effet, son coût représente seulement un tiers du budget classique d’un blockbuster. Ce budget s’explique par les choix artistiques du réalisateur qui a créée un univers entièrement plongé dans le réel, sans présence d’effets spéciaux. Mais aussi par la trame narrative qui met en scène la mutation d’un personnage dans le registre d’un drame psychologique. Enfin, nous remarquons que le film est plébiscité par les professionnels et les critiques du cinéma, le film a reçu la plus haute distinction de la Mostra de Venise : le lion d’or.

Joker : dilemme du monde du cinéma

Joker profite de la popularité des films de super-héros. Sa place en tant que film hybride semble aussi participer à l’émulation car il offre les conditions ou codes d’accès favorisant la croisée des publics, entre ceux qui viennent pour l’univers comics, pour le genre du divertissement ou pour l’originalité de la forme hybride qui casse les codes habituels d’un film de super-héros.

Joker est de ces films qui relancent les débats, questionnant la légitimité de ceux que définissent ce qui fait cinéma Dans l’émission Spotlight de Allociné, les journalistes se demandent si l’hybridation des genres va créer une nouvelle demande : [à partir de 34:00]

https://soundcloud.com/user-323451486/spotlight-joker-on-decrypte-le-film-evenement

Martin Scorsese, dont le film Taxi Driver a inspiré Todd Phillips, déclarait récemment que les films de super-héros étaient “l’équivalent de gros manèges et les cinémas des parcs d’attractions”, découragé de voir qu’ils laissent de moins en moins de place à d’autres genres cinématographiques.

Interview de Martin Scorsese au Festival des Lumières 2019 durant l’unique diffusion en salle en France de son nouveau film : [de 1:18 à 1:56]    https://www.francetvinfo.fr/culture/cinema/martin-scorsese-au-festival-lumiere-les-films-sont-devenus-des-maneges-de-parcs-d-attraction_3661815.html

Lors d’une interview de promotion de son film, il déclarait à l’Empire à propos des films Marvel “I tried, you know? But that’s not cinema. Honestly, the closest I can think of them, as well-made as they are, with actors doing the best they can under the circumstances, is theme parks. It isn’t the cinema of human beings trying to convey emotional, psychological experiences to another human being.”

https://www.empireonline.com/movies/features/irishman-week-martin-scorsese-interview/

Autre grand nom du cinéma, Francis Ford Coppola, renchérit les propos du réalisateur : « Martin a été gentil quand il a dit que ce n’était pas du cinéma. Il n’a pas dit que c’était méprisable, c’est ce que je dis».

https://www.lefigaro.fr/cinema/francis-coppola-meprise-les-films-marvel-nathalie-portman-et-james-gunn-lui-repondent-20191021

Ces propos affectent tant les réalisateurs, à l’instar de James Gunn, réalisateur des Gardiens de la Galaxie, qui exprime sa déception lorsque l’un de ses réalisateurs favoris juge son film sans l’avoir vu : https://twitter.com/JamesGunn/status/1180158383070105606?ref_src=twsrc%5Etfw%7Ctwcamp%5Etweetembed%7Ctwterm%5E1180158383070105606&ref_url=https%3A%2F%2Fwww.lefigaro.fr%2Fcinema%2Fce-n-est-pas-du-cinema-martin-scorsese-etrille-les-films-marvel-20191007

Que les spectateurs, John Campea, youtubeur qui fonde sa chaîne sur des critiques de film répond aux propos des réalisateurs en rappelant le principe de subjectivité qui fait qu’on aime ou non un film, qu’on soit un réalisateur reconnu ou un fan. Podcast [de 0:25 à 1:43] https://www.youtube.com/watch?v=C643PYKxHgk

Et d’autres figures du cinéma réagissent à ce genre de propos tels que des acteurs : Samuel L. Jackson, qui interprète Nick Fury, figure récurrente des Marvels, explique que chacun a son opinion : [de 2:45 à 3:15]             https://variety.com/2019/film/news/samuel-l-jackson-martin-scorseses-marvel-1203360546/

et Natalie Portman, qui interprète Jane Foster dans le film Thor : "I think there's room for all types of cinema,", "There's not one way to make art."

https://www.hollywoodreporter.com/heat-vision/natalie-portman-weighs-scorseses-marvel-comments-1248923

 

Camille Caramanno et Marine Canevet

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La culture au Brésil depuis l’arrivée du président Jair Bolsonaro

Sous la présidence de Jair Bolsonaro (PSL-extrême droite), qui a pris ses fonctions le 1er janvier 2019, le ministère de la Culture brésilien est devenu un secrétariat dépendant du ministère de la Citoyenneté, regroupant le développement social et les sports. Ce ministère est également chargé de la coordination du secrétariat des politiques de lutte contre les drogues (Senad).

Le Brésil

Le Brésil, plus grand pays et première puissance économique d’Amérique Latine, est également la 8e​ puissance économique mondiale. Il n’en reste pas moins que le Brésil connaît toujours une économie instable, où les inégalités restent considérables, malgré des politiques sociales récentes qui ont sorti près de 28 millions de personnes de la pauvreté. Pays très majoritairement catholique, la religion y est très importante et l’église influente, même si de nombreuses autres religions et cultes autochtones continuent d’être pratiqués.

Le portrait contemporain du Brésil est aujourd’hui profondément métissé et multiculturel, héritage d’un passé marqué par la colonisation portugaise dès 1500, qui apporte un grand nombre d’esclaves principalement venus d’Afrique, mais également de grandes vagues d’immigration européennes et japonaises venus travailler dans l’agriculture au lendemain de l’abolition de l’esclavage à la fin du XIXe siècle.

De ce métissage en découle une culture riche et unique, qui a su gagner sa notoriété à travers le monde et s’exporter. Les arts tels que la musique et la danse mais aussi l’audiovisuel sont des domaines très populaire dans tout le Brésil qui trouvent leur place aux côtés des grandes institutions culturelles qui restent très centralisées à Rio de Janeiro.

La politique brésilienne

Ce portrait est également façonné par une histoire politique entre coups d’États, régimes autoritaires et militaires, socialisme de Lula et Dilma Roussef, jusqu’à l’élection de Jair Bolsonaro en janvier 2018.

Jair Bolsonaro, ancien militaire est entré dans le politique 1990 où il est élu et constamment réélu jusqu’en 2014 député fédéral à Rio de Janeiro sous l’étiquette du Parti démocrate-chrétien (PDC). Dès lors, ses prises de position controversées, notamment à l’égard des femmes, des homosexuels, et des peuples indigènes, ainsi que sa nostalgie pour la dictature militaire le placent à l’extrême droite de l’échiquier politique brésilien. Jusqu’à ce qu’il se présente aux présidentielles de 2018, il était perçu comme une figure politique isolée, dont la notoriété tenait principalement à ses propos polémiques.

Son élection semble montrer qu’il a su capter la rage d’électeurs dévastés par des récessions historique en 2015 et 2016 ainsi que la rancœur d’une population exaspérée par la corruption et la criminalité. Dès sa prise de fonction, il travaille à l’assouplissement des lois sur le port d’arme à feu, une réduction de l’intervention de l’État dans l’économie ainsi que la suppression du Ministère de la Culture.

La suppression du ministère de la culture est un acte politique

On parle « d’asphyxie de la classe culturelle, comme si tous les artistes étaient de gauche, avaient soutenu le Parti des Travailleurs, et devaient maintenant mourir de faim », dénonce un ancien gestionnaire du ministère de la Culture. De plus, « le secteur de la culture est toujours le plus indépendant, celui qui mobilise le plus la population et c’est la raison pour laquelle les politiques veulent faire taire ce secteur potentiellement critique », souligne Nabil Bonduki, ancien Secrétaire municipal de la Culture.

Outre la bataille politique contre la classe artistique, Bolsonaro manifeste un mépris certain pour la culture​. Il a par exemple délibérément refusé de signer le prix littéraire Camões attribué au chanteur et romancier de gauche Chico Buarque ; Bolsonaro a déclaré qu’il avait « jusqu’en décembre 2026 » pour signer le prix.

Eleonora Santa Rosa, directrice du Musée des arts de Rio souligne les conséquences de cette décision de supprimer le ministère de la culture : [c’ est] « une décision obscure, obtuse qui en réalité est une négation de l’importance de l’intérêt de la culture au Brésil et même le pouvoir qu’elle exerce dans le monde. C’est une vision rétrograde qui regarde vers le passé et même dans ce passé à l’époque de la dictature militaire, il y avait un ministère de l’éducation avec un secrétariat d’Etat à la culture très actif. »

Le budget donné à la culture est considéré comme une dépense frivole. Les conséquences d’une telle politique anti-culturelle sont notamment le risque de perdre toute l’expertise qui s’ est développée au Brésil, au sujet des règlements du droit d’auteur, de la législation sur divers aspects d’internet (comme la reconnaissance et le respect d’organismes internationaux spécialisé, par exemple).

Les conséquences directes sont bien sûr monétaires. Une coupe d’environ 148 millions des réais (34 millions d’euros) a eu lieu depuis l’investiture de Bolsonaro. La loi Rouanet mentionnée plus tôt, principal levier de déduction fiscale pour financer la culture, a été réduite de 60 à 1 million de reais (200 000 euros) par projet culturel.

Les institutions sont les premières à être touchées. Le Théâtre São Pedro et son orchestre ainsi que le musée Afro Brasil pourraient fermer. Les expositions et projets pédagogiques de la Pinacothèque et du musée de l’Image et du Son (MIS) seraient annulées. Les professeurs des ateliers de culture renvoyés et le nombre de places dans les écoles d’arts et de musique revu à la baisse. Ce ne sont que quelque exemples, la liste est encore longue…

La Caixa Econômica Federal a censuré de plus de nombreux projets qui déplairait au pouvoir. De manière anonyme, les responsables de la sélection des œuvres racontent qu’on leur demande, au-delà de la qualité artistique des dossiers, d’observer le comportement des équipes artistiques sur les réseaux sociaux leurs prises de positions politiques, voir les thèmes qu’ils abordent.

Les réactions des artistes et de la population

Ainsi, depuis l’élection de Jair Bolsonaro et ses décisions relatives à la politique culturelle du pays, de nombreuses réactions de la population et des artistes brésiliens ont été recensées. Nous pouvons d’avoir mentionné la comédienne Fernanda Montenegro qui pose en sorcière, vêtue de noir, sur un bûcher de livres, prête à être sacrifiée à la une du magazine littéraire Quatro Cinco Um​. Comme si, après une si longue carrière, elle n’avait plus rien à perdre face à au tournant historique que connaît son pays quant à la culture.

Notons également que Les musiciens de l’Orchestre jeune de São Paulo ont, eux aussi, observé une minute de silence lors d’un concert en avril 2019 et brandi des affiches « Non​ aux coupes​ budgétaires ». L’artiste plasticien Ernesto Neto, pour qui créer c’est résister, s’exprime également en interview en rappelant la force politique que représenter la culture.

Les réactions anti-Bolsonaro se manifestent à travers des occupations d’immeubles ou des expositions, des concerts et des réunions politiques organisées par des centres socio-culturels alternatifs.

Leïla Ensanyar-Volle et Alice Lacouture

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La question de la restitution du patrimoine d’Afrique Subsaharienne en France

Deux ans après le discours d’Emmanuel Macron à l’université de Ouagadougou dans lequel il déclare : “ Je veux que d’ici cinq ans les conditions soient réunies pour des restitutions temporaires ou définitives du patrimoine africain en Afrique” et un ans après la parution du rapport Savoye-Sarr “Restituer le patrimoine africain”, le premier ministre Edouard Philippe prolongeait de 5 ans le “prêt” du sabre présumé du conquérant Toucouleur El Hadj Oumar Tall ce 17 novembre 2019 au président sénégalais Macky Sall. Aujourd’hui, en France, l’inventaire de toutes les œuvres d’art dans les collections nationales donnent des chiffres assez précis sur la provenance des œuvres : 88 000 pièces viennent d’Afrique subsaharienne, dont 70 000 au musées du quai Branly, la plupart provenant des pays anciennement colonisés par la France.

Si on dénombre moins d’un millier d’objets avant 1885, on en compte 45 000 à la fin de la période coloniale. Puis, ce sont plus de 20 000 objets qui sont rentré dans les collections françaises après la décolonisation. Aujourd’hui, 85 à 90% du patrimoine africain serait hors du continent, principalement dans les musées européens.

Si aujourd’hui il est si difficile pour la France de restituer ces objets aux pays qui les demandent, ce n’est pas seulement due à certaines réticences, c’est également due à un problème juridique : le principe d’inaliénabilité des oeuvres d’art en vigueur depuis plusieurs siècles en France : l’état ne peux pas juridiquement céder ou vendre un bien, car il n’est pas propriétaire de ce bien mais juste le gardien. En 2002, on réaffirme ce principe : “Les biens constituant les collections des musées de France appartenant à une personne publique font partie de leur domaine public et sont, à ce titre, inaliénables.” La seule possibilité de céder une oeuvre est de procéder au déclassement du bien, subordonné à l’avis de la Commission scientifique nationale des musées de France qui n’a pas eu jusqu’ici à connaître de projet de déclassement.

French President Jacques Chirac looks at a Mexican Chupicuano sculpture (7th-2nd century BC), 13 April 2000, during the inauguration of a new wing of the Louvre housing the museum’s first ever collection of primitive art objects from the world’s oldest civilizations.

C’est 63 ans après la Convention de la Haye – qui rend le pillage lors de campagnes militaire illicite – qu’une convention sera mise en place à l’UNESCO en 1970 pour empêcher l’import et l’exportation de propriétés illicites de biens culturels à compter de sa ratification.

En France, l’évolution des mentalités et des démarches légales tarde à se rendre visible : en 1993, un manuscrit Uigwe est rendu à la Corée du Sud sous forme de prêt renouvelable malgré les réticences de la BNF. En 2000, le Nigeria réclame des sculpture Nok acquises illicitement. Restituées, elles sont toujours conservées en France sous prétexte des mauvaises conditions de conservations nigérianes. En 2002 est rendu le moulage et squelette de Saartje Baartman (Vénus Hottentote) réclamée en 1994 par l’Afrique du Sud puis en 2011, 21 têtes momifiées Maori sont rendues suite à 4 ans de démarches légales menées par le Muséum d’Histoire Naturelle de Rouen, suite aux nombreuses demandes du musée national néo-zélandais Te Papa Tongarewa.

C’est le rapport Savoye-Sarr en novembre 2018 qui préconise la modification du code du patrimoine lié au principe d’inaliénabilité. Commandé par E. Macron, il détaille d’un point de vue historique les conditions d’acquisition du patrimoine africain détenu par la France et propose des solutions juridiques, financières et de médiation pour leur restitution en distinguant les conditions et périodes d’acquisition. Les auteurs y mentionnent les intérêts diplomatiques de “solder à moindre frais un lourd passé colonial” ou “instituer une nouvelle éthique relationnelle”. Ils explorent également le sens du principe de restitution non comme une réparation mais un symbolique nécessaire qui passe par une restitution permanente et non temporaire. Ils souhaitent aussi “mettre le doigt au coeur d’un système d’appropriation et d’aliénation, le système colonial, dont certains musées européens, à leurs corps défendant, sont aujourd’hui les archives publiques”, un système ayant engendré une aliénation et une déculturation intentionnelle dans les pays touchés qui rend le travail de mémoire difficile soit par ignorance, soit par souffrance. A travers ce rapport, ils démystifient le point de vue occidental de la conservation qui nie la nature et la place de ces objets dans les cultures spoilées au profit d’une conception patriarcale, une représentation contrôlée des sociétés.

(FILES) This file photo shows French art historian and professor at the College de France in Paris and the Technishe Universitat of Berlin Benedicte Savoy (R) and Senegalese economist and professor at the Gaston Berger University of Saint-Louis in Senegal Felwine Sarr (L) posing on March 21, 2018, in Paris. – The two French and Senegalese academics, Benedicte Savoy and Felwine Sarr, appointed by President Emmanuel Macron, will advise him on November 23, 2018 to allow the return of thousands of African artworks held in French museums, a radical shift in policy which could put pressure on other former colonial powers. (Photo by ALAIN JOCARD / AFP)

Si cette démarche est enclenchée, elle fait tout de même polémique. Certain préconise une circulation des oeuvres plus qu’une restitution, qui se heurte aux inégalités des collections entre les pays ; d’autres déplorent les conditions de conservation pas encore réunies dans les pays d’origines ou s’alarment sur une perte d’accès aux œuvres. Le rapport trouve ses limites dans le fait qu’il ne parle que de l’Afrique subsaharienne, sur la base de quelques pays étudiés. Il est possible que le rapport se soit fait vite et que les auteurs n’aient voulu se prononcer que sur les oeuvres qui leur paraissaient les plus urgentes à rendre. Mais surtout, la loi n’a pas avancé et les programme de préconisations du rapport Savoy Sarr est largement en retard.

Lors de la demande officielle de restitution de 26 objets par le Bénin en 2016, le Ministère de la Culture français refuse au motif de l’inaliénabilité et de la crainte d’une jurisprudence sans fin : si on rend au Bénin, pourquoi ne pas rendre des œuvres italiennes ? Si pour l’instant très peu de pays ont demandé des œuvres – à part le Sénégal qui demande 10 000 objets et la Côte d’Ivoire 1000 – des pays africains se préparent quand même à accueillir des objets, alors que d’autres n’ont pas mis la question aux centre de leurs priorités.

La question n’est donc plus de savoir si ces restitutions vont se faire ou pas : le processus est lancé, au moins dans les médias et dans les agendas politiques. On parle d’ailleurs aujourd’hui plus du “comment” que du” pourquoi”. Mais est-ce juste de rendre ces objets à des états ? Peut-on repenser la circulation de ces formes hors d’une histoire de propriété nationale de pays aux frontières récentes qui ne correspondent pas aux territoires transfrontaliers qui étaient ceux des communautés dont sont issues ces formes ?

Baptiste Colin et Tiphaine Charrondière-Cornil

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Comment Atlantique a réussi le pari d’être un film militant à travers la narration d’une histoire d’amour ? 

Mati Diop

Mati Diop est une réalisatrice, scénariste et comédienne franco-sénégalaise, née en 1982. Elle a grandi à Paris. Elle est la fille du célèbre musicien sénégalais Wasis Diop, d’une directrice artistique française, et nièce du réalisateur sénégalais Djibril Diop Mambèty, aussi appelé le « Godard dakarois ». Elle réalise des courts métrages depuis 2004 et collabore à des projets vidéo et sonore pour le théâtre.

 

Love

Atlantique c’est l’histoire d’amour secrète d’Ada et de Souleiman dans un Dakar contemporain.

L’histoire d’une jeune femme promise au mariage avec un jeune homme riche qu’elle n’aime pas et celle de son amoureux pauvre, Souleiman, ouvrier sur les chantiers qui attend son salaire depuis 3 mois. Ce fait va être déterminant dans l’histoire car Atlantique va devenir le récit d’une romance brisée par l’appel de la mer. En effet, ce jeune ouvrier et son groupe d’amis vont périr en mer en tentant d’atteindre l’Europe. Ils vont ensuite revenir fièrement, sous la forme d’esprit, en possèdent les corps de leurs bien-aimés, pour demander justice et obtenir leur salaire.

Représentations des corps et des couples noirs à l’écran

Il est important de souligner qu’Atlantique, coproduction franco-belgo-sénégalaise, est la représentation d’une histoire d’amour entre deux personnages noirs loin des clichés, encore exposés par les productions françaises. Il faut savoir que dans ces dernières, les corps noirs sont hypersexualisés et/ou stigmatisés. Les personnages sont soit des voyous, « bouffons de service », nounous, femme de ménage, ou des prostituées.

Lorsque les films français ne véhiculent pas ces images stigmatisantes, les personnes issues des minorités ne sont autorisées que par le biais du métissage. Cela pose la question de la mixité constante pour accepter les minorités à l’écran.  

Militantisme

Mati Diop : « J’ai besoin que cette dimension politique fasse écho à une dimension personnelle. J’ai besoin de raconter la collision de l’intime et du politique dans mes films ”

Ce film est politique parce que c’est le récit d’un fléau africain dû aux répercussions d’une histoire coloniale. La réalisatrice a réussi à montrer cela d’une manière bouleversante mais non larmoyante et victimaire. C’est l’histoire d’une jeunesse désœuvrée, abandonnée par les politiques qui pensent que la vie sera moins éprouvante de l’autre côté de l’océan Atlantique.

     La femme

Diop donne la parole aux hommes par les biais des femmes. Elle montre surtout l’attente de celles-ci qui sacrifient, elles aussi, leurs vies par amour pour leur homme. Les femmes ont un rôle déterminant dans le film. « C’est la voix des hommes portée par la détermination des femmes ». Le lien amoureux va donc devenir le fil conducteur de ce film. Le corps féminin et la femme par extension vont être le médium d’une lutte sociale.

Langue Wolof

Le film prend un référentiel local, ouest-africain. C’est une production fait par des Sénégalais pour un public sénégalais, dans les rues de Dakar. Diop a donc choisi de faire communiquer ces personnages en langue wolof, la langue officielle du pays.

Ressources audiovisuelles locales

C’est un film qui utilise un rythme visuel doux, le montage est développé afin de nous aider à nous connecter avec les émotions d’Ada : il n’y a pas des plans superficiels, les scènes sont plutôt symboliques. Il y a des scènes importantes où les mouvements de la caméra restent contemplatifs, montrant Ada et son parcours. Cela incarne parfaitement son processus émotionnel. Mais aussi le montage rend un parfait hommage à la ville de Dakar. Il nous amène dans un voyage nonchalant, où l’on prend notre temps comme il est habituel là-bas.

Il y a aussi plusieurs plans plus intimes qui nous font entrer dans l’histoire d’une façon plus vivante et sensorielle. Le traitement de la couleur, quant à lui, reste opaque, semblable à la ville qui est sablonneuse, mais aussi il peut symboliser la mélancolie qui imprègne l’histoire et le monde des morts, généralement représenté d’une manière un peu trouble.

La musique originale du film est composée par l’artiste plasticienne et compositrice Koweïtienne (Dakaroise de naissance) Fatima Al Qadiri. Le son est électronique et se mélange parfaitement avec des notes de musique contemporaine et traditionnelle, comme Diop le souligne : « c’est le son de sa génération ».

Réussite

On considère qu’Atlantique a réussi le pari d’être une œuvre d’art militante. Le film reste authentique artistiquement en développant un langage visuel poétique et un style narratif hors norme.

Atlantique ne reste pas dans un discours militant explicite mais il parle de la complexité de la vie réelle, en abordant l’histoire d’amour d’Ada et de Souleiman. À travers ce film, Mati Diop aborde plein de points tabous de la société sénégalaise : comme la problématique du sort des migrants africains en Europe, le mariage forcé, la sacralisation de la virginité chez la femme et la précarité.

Enfin, le film s’est vue légitimé par le Festival de Cannes, en recevant le Prix du Jury du Festival.

Nous sommes face à une œuvre d’art poétiquement militante, comme la poétesse péruvienne Rosina Valcárcel le dit : « On n’est pas moins militante parce que l’on écrit des poèmes d’amour ».  « Yo no soy menos militante por escribir poemas de amor ».

MilenaCarranza et Hawa Derdessy

Bibliographie

Presses étrangères (consultées en novembre 2019)

Mumbai: Mati Diop on Becoming the First Black Female Director in Competition at Cannes

https://www.hollywoodreporter.com/news/mati-diop-being-first-black-female-director-cannes-lineup-1208189

AVEC « ATLANTIQUE », RÊVE DE CINÉMA DEVENU RÉALITÉ POUR AMADOU MBOW

http://www.faapa.info/en/2019/05/28/avec-atlantique-reve-de-cinema-devenu-realite-pour-amadou-mbow/

Senegalese Filmmaker Mati Diop Tells a Haunted Story of Migration

https://www.okayafrica.com/senegalese-filmmaker-mati-diop-at-tiff/?fbclid=IwAR3bOfgcCxS-A91dzaZuvX5T_totLQNiq6s-NTTW4PRRlT41OEjSji51HC4

Presses françaises (consultées en novembre 2019)

Mati Diop filme l’exil dans son long-métrage “Atlantique”

https://www.lesinrocks.com/2019/08/26/cinema/actualite-cinema/mati-diop-filme-lexil-dans-son-long-metrage-atlantique/

À LA SOURCE D’«ATLANTIQUE»

https://www.liberation.fr/apps/2019/09/mati-diop-dakar/

«ATLANTIQUE», L’ÉCUME DES JOUGS

https://next.liberation.fr/cinema/2019/10/01/atlantique-l-ecume-des-jougs_1754801

Atlantique de Mati Diop – la critique

https://www.parismatch.com/Culture/Cinema/Atlantique-de-Mati-Diop-la-critique-Festival-de-Cannes-1624689

FATIMA AL QADIRI, REMOUS ÉLECTRONIQUES

https://next.liberation.fr/cinema/2019/10/01/fatima-al-qadiri-remous-electroniques_1754802

« Atlantique » : le regard saisissant des femmes qui restent

https://www.nofi.media/2019/10/atlantique-le-regard-saisissant-des-femmes-qui-restent/68406?fbclid=IwAR0bgk_27p0DJYuhT_hWP5JcJkAxcDoPygUq_xlc3YZVs5_0ts6E7ZxQthg

«Atlantique», une épopée sorcière

http://www.slate.fr/story/182256/cinema-atlantique-mati-diop-critique-epopee-sorciere

Biographie de Mati Diop

http://www.allocine.fr/personne/fichepersonne-211076/biographie/

Émissions de radio

La traversée de Mati Diop

France Inter émission BOOMERANG du 30/09/2019 par Augustin Trapenard

#51 Dans le genre de Mati Diop

Radio Nova, émission DANS LE GENRE du 6/09/2019 par Géraldine Sarratia

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Le cinéma syrien, révolution et nouvelles formes de création

En Syrie, la production de films se développe dans les années 1950. Le pays est indépendant depuis peu et gouverné par le parti Baas, qui se veut réformateur et fédérateur. Le cinéma s’institutionnalise avec la création de l’Organisme Général du Cinéma (OGC) en 1963. Ce dernier a pour objectif de structurer et organiser la production et la création cinématographique, permettant à l’État de contrôler les films produits tout en diffusant son idéologie.

En 1966, Hafez El Assad devient premier ministre de la défense. Gagnant le soutien de l’armée, il fait un coup d’état en 1970 et promet une libéralisation du régime.[1] En réalité il n’y aura aucune rupture avec le régime dictatorial précédent.

Avec l’arrivée de Hafez El Assad au pouvoir, l’OGC détient le monopole du cinéma ; la censure se resserre et les productions privées disparaissent. Les années 1970 représentent l’âge d’or du cinéma de propagande, qu’El Assad utilise comme outil diplomatique. En 1999 les cinéastes syriens “se mobilisent pour dénoncer, dans un manifeste collectif, les dysfonctionnements de l’OGC et le manque de liberté d’expression.”[2]

En 2011 une vague de manifestation touche le pays et la répression est extrêmement forte. C’est alors Bachar El Assad, le fils de Hafez qui est au pouvoir.

La Syrie est officiellement déclarée en guerre civile en 2012, et la Russie viendra soutenir le gouvernement à partir de 2015. [3] Aujourd’hui Bachar El Assad est accusé de crimes de guerres et crimes contre l’humanité par l’ONU. Il est toujours président de la Syrie. [4]

Le contexte politique et l’évolution des conditions de production poussent une nouvelle génération de cinéastes syriens à revisiter le cinéma dans sa forme comme dans son contenu.

Avec l’arrivée de Bachar El Assad au pouvoir, il devient dangereux pour les journalistes internationaux comme syriens d’exercer leur métier. Les citoyens s’emparent alors des technologies et des réseaux sociaux pour documenter les événements. C’est le début du journalisme citoyen. Au fur et à mesure, certains se procurent du matériel pour filmer ; d’autres essaient de se former. L’exigence esthétique s’associe alors à la rhétorique politique. Les vidéos permettent de garder des traces de ce qu’il se passe. Elles ont une date et un lieu donc elles peuvent servir de preuve contre le gouvernement.

C’est dans ce format que s’inscrit le film Pou​r Sama​, réalisé par Waad al Kateab et Edward Watts. Les images ont été filmées par la réalisatrice entre 2011 et 2016, depuis les premières manifestations qu’elle filme avec son téléphone alors qu’elle est encore étudiante, jusqu’au siège d’Alep. Elle filme le quotidien du peuple syrien sous les bombardements et présente la révolution telle qu’elle est vécue par les civils.

Plusieurs réalisateurs syriens anti-régime évoquent une “incapacité à filmer en Syrie” et ont été obligés de s’exiler pour continuer à exercer leur métier. En plus d’être persécutés par le gouvernement, ils étaient habitués à travailler avec du matériel et des infrastructure et n’ont pas su comment s’adapter à la révolution.[5] Ils produisent à distance des films d’un véritable travail esthétique et de montage montrant les coulisses de la révolution : pourquoi elle a eu lieu et comment.6 Certains forment la nouvelle génération de cinéastes sur place. [6]

Depuis Paris, Oussama Mohammad récupère des images filmées par des jeunes syriens avec leur téléphone et postées sur Youtube. Wiam Simav Bedirxan, une jeune révolutionnaire kurde, le contacte en 2011 et lui demande ce qu’il filmerait s’il était à sa place. Elle devient son élève et ensemble ils créent le film Eau Argenté​ e​.

Pour finir, nous nous sommes intéressées au cinéma d’urgence, que Cécile Boëx définit comme un nouveau “langage cinématographique adapté à l’urgence de la situation.”[7] Les cinéastes restent presque toujours anonymes ; d’une part pour des raisons de sécurité, d’autre part pour que l’acte et le message soient plus importants que la renommée des cinéastes.

Abounaddara est la référence du cinéma d’urgence syrien. Il s’agit d’un collectif de cinéastes qui filment la dictature à travers le quotidien des Syriens, “loin de toute considération politique ou nationale.”[8] Le collectif s’appuie sur des courtes vidéos postées en ligne chaque semaine. Ce format s’explique par l’urgence de montrer leurs images, mais Abounaddara​ revendique néanmoins un cinéma documentaire d’auteur. Les images diffusées ont aussi pour objectif de contrer les représentations des médias étrangers qui font circuler les mêmes stéréotypes et associations d’images. Il est important pour les cinéastes de montrer une autre image du peuple syrien et de lui rendre sa dignité.[9]

Ces nouvelles dynamiques cinématographique nous amènent à nous poser deux questions. D’une part, comment l’industrie internationale, et notamment les festivals, récupère les films produits car sont friands “d’exotisme révolutionnaire” ? En effet les deux documentaires présentés ci-dessus ont eu des critiques de presse très positives, et ont été nommés pour plusieurs prix dans les grands festivals internationaux comme le Festival de Cannes. Pourtant leur diffusion est limitée, que ce soit en salle ou après leur sortie.

D’autre part, de quelle manière ces nouvelles dynamiques de production et création contribuent à modeler le champ cinématographique syrien et international ?

 Marie Beloeuvre et Louise Moreteau

[1] Les clés du Moyen Orient, Syrie, [​ ​En ligne],https://www.lesclesdumoyenorient.com/Syrie.html#arab​    e (page consultée le 20 novembre 2019)

[2] Boëx Cécile, Être cinéaste syrien.​        ​ Expériences et trajectoires de la création sous contrainte, ​            ​Presses de l’Institut Français du Proche-Orient

[3] France inter, Le conflit syrien ou la guerre mondialisée, [​ En ligne],​

https://www.franceinter.fr/emissions/geopolitique/geopolitique-17-septembre-2018 (page consultée le​              18 novembre 2019)

[4] Le Figaro, Syrie : l’ONU dénonce «des crimes de guerre» et l’implication de la Russie, [​ En ligne],​         https://www.lefigaro.fr/international/2016/09/25/01003-20160925ARTFIG00163-syrie-l-onu-denonce-d es-crimes-de-guerre-et-l-implication-de-la-russie.php  (page consultée le 21 novembre 2019)​

[5] Marion Bellal et Lola Scandella, De la révolution à l’exil, la renaissance du cinéma Syrien​   ​, [​ En​     ligne],http://www.regards.fr/IMG/pdf/le_cinema_syrien.pd​            f (page consultée le 19 novembre 2019)​

[6] Boëx Cécile, Cinéma et politique en Syrie. Écritures cinématographiques de la contestation en​     régime autoritaire​,  Collection « Ouverture philosophique », Série Arts vivants, Paris, l’Harmattan, 2014.

[7] Boëx Cécile, « Un cinéma d’urgence. Entretien avec le collectif syrien Abounaddara », La Vie des​        idées​, 25 septembre 2012.

[8] Idem

[9] Site internet du collectif Abounaddara : http://www.abounaddara.com​ /

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Exposition Léonard de Vinci Au Louvre : entre l’éternité et l’universalité

L’exposition Léonard de Vinci (se déroulant d’octobre 2019 à février 2020) a été qualifiée comme l’événement majeur de la nouvelle saison dans le milieu muséal européen. Dès l’ouverture de la prévente des tickets d’entrée, le site internet du Louvre s’est retrouvé débordé par la trop grande affluence. L’exposition a engendré une centaine de publications dans la presse et a provoqué une tension considérable entre la France et l’Italie. Mais pourquoi une telle résonnance ?

Tout d’abord, la figure de Léonard de Vinci et son héritage artistique restent universels non seulement en Europe mais dans le monde entier. C’est un peintre qui est entré dans notre inconscience culturelle; son nom est connu même parmi ceux qui n’ont aucun rapport avec l’art. Il faut souligner que cette universalité est due à la médiatisation extrême de Léonard de Vinci et de sa peinture et que parfois cette médiatisation est à la limite de la banalisation.

 

Canard de bain la Joconde  qui  « donne une touche de renaissance à votre salle de bains »

Mais comment Léonard de Vinci a acquis le statut exceptionnel qu’il possède aujourd’hui dans le patrimoine culturel ainsi que dans la conscience collective? Pour répondre à cette question, prenons sa Joconde comme un exemple à explorer.

Déjà après sa création, le tableau a été reconnu comme un chef-d’oeuvre par les contemporains et par le milieu professionnel de Léonard de Vinci, ce qui a contribué dans son succés.

Après la mort du peintre, la Joconde occupe sa place dans la collection de François I; plus tard, elle réside dans le château de Versailles; encore plus tard, elle a été accrochée dans la chambre à coucher de Napoléon Ier. Une telle cartographie de déplacements a également participé dans l’augmentation de son prestige.

L’un des rôles principaux dans le changement du statut de la Joconde a été donné aux hommes de lettres qui ont modifié sa perception aux yeux du public. Pour eux, elle devient l’incarnation de la femme fatale et c’était Théophile Gautier qui, pour la première fois, a attiré notre attention sur son fameux sourire, «le sourire du sphinx  qui vous promet les plaisirs inconnus».

En plus, le vol du tableau en 1911 a fait de la Joconde une véritable «star» des médias tandis que la diplomatie culturelle française l’a transformée en ambassadrice culturelle pour apaiser les tensions politiques et c’est ainsi que la Joconde devient une oeuvre culte.

 

De Vinci reste toujours un objet de diplomatie culturelle internationale. La discorde opposant la France et l’Italie autour du prêt de certaines oeuvres en vue de l’exposition, notamment de l’Homme de Vitruve, dessin immensément célèbre du maître. Cette dispute a ravivé un désaccord ancestral, l’Italie revendiquant que Léonard de Vinci était avant tout italien. Elle s’est achevée in extremis : les oeuvres ont pu être accrochées quelques jours avant l’ouverture de l’exposition .Ceci pose la question de l’appropriation d’un artiste ou d’un symbole: nous pouvons penser au tableau d’Ingres représentant De Vinci mourant dans les bras de François Ier, fantasmant une adoption symbolique du peintre. Le ministre de la culture italienne Alberto Bonisoli affirmait d’ailleurs que de De Vinci fait partie d’ “ un patrimoine non seulement italien mais européen et universel ”, posant la question à une échelle bien plus large.

Pour conclure, il faut dire que même malgré le fait que l’époque de la Renaissance est très éloignée de la nôtre et qu’on a du mal à complètement saisir le contexte dans lequel Léonard de Vinci a travaillé, cependant son nom a un effet magique sur les gens d’aujourd’hui, ce qui nous prouve un immense intérêt qu’on a autour de cette exposition :  “I am struck by how we invent this figure for the 21st century. I don’t mean to sound like a mystical priest, but on some level these paintings communicate soul to soul, he said. “Great art does work on people in mysterious ways ”, comme le dit Luke Syson, curateur anglais.

Marine Chaussin et Veronika Smus

 

 1974 : la Joconde à Moscou

 

Sitographie :